Animação para Principiantes
Por onde começo?
Uma das perguntas mais comuns que eu recebo (quase diariamente) é:
"Eu quero entrar na animação. Por onde começo?"
Neste guia maciço tento cobrir (quase) tudo o que possa precisar de saber sobre animação, se estiver a tentar entrar na indústria da animação.
Vou cobrir alguns dos conceitos básicos de animação, vocabulário, princípios, software, hardware, livros, cursos, assim como algumas das opções para pessoas que querem entrar na indústria da animação, mas estão sobrecarregadas ou intimidadas.
Vou rever o que é animação, o que é preciso para fazer filmes de animação (2D ou 3D), e até como começar a procurar um emprego na indústria.
Fácil de aprender, difícil de Dominar
É mais fácil entrar na animação hoje do que nunca.
O software está a ficar mais barato (ou até mesmo gratuito), e a maioria dos computadores modernos pode lidar com as tarefas de animação mais simples (principalmente 2D).
O senão é que embora qualquer pessoa possa começar a animar agora mesmo, a arte da animação ainda leva tempo a dominar.
A boa notícia é que...
Não precisa de ser um animador da Disney para criar animações realmente boas.
Pode começar por ser pequeno e simples e desenvolver lentamente as suas capacidades e estilo único. Nem sequer precisa de saber desenhar bem.
E também...
Construímos um curso inteiro dedicado à compreensão dos princípios básicos da animação, para que possa cobrir os seus princípios básicos antes de saltar para a animação. É este, logo abaixo.
Curso de Fundamentos de Animação
Aprender os princípios básicos da animação de personagens, incluindo um levantamento dos diferentes tipos de animação, vocabulário básico, e os 12 princípios da animação. Se está apenas a começar e quer ter a certeza que os seus princípios básicos estão cobertos - este curso é o melhor lugar para começar.
O que é Animação?
Animação é a arte de dar vida a um objecto inanimado, ou a personagens ilustradas / geradas em 3D.
É criada através da projeção rápida de imagens sequenciadas, uma após outra, para criar a ilusão de vida.
Mas isso não é realmente a primeira coisa que se imagina quando se ouve a palavra Animaçãonão é?
Isso são apenas coisas técnicas...
Provavelmente está a pensar na Disney, Pixar, ou Ghibli. Vamos lá chegar...
A parte mais importante de tudo isso é a palavra vida. Trazer vida é a verdadeira essência do trabalho do animador. E há muitas maneiras de o fazer.
Poderia ser por desenho.
Poderia ser movendo as sondas de caracteres num software 3D.
Pode ser com bonecos, personagens recortados, ou figuras de lego.
Então o que é ser um animador significa?
Antes de o saltarmos, podem ver este vídeo onde explico as diferenças entre animar em 2D e 3D. Isto dar-lhe-á uma ideia do que um animador realmente faz.
Pode também dar-lhe uma pista sobre a direcção que poderá querer seguir.
Vocabulário de Animação
Agora que abordámos a ideia básica do que é a animação, é importante compreender o vocabulário e os termos especializados utilizados na indústria da animação e do cinema .
Estes termos surgirão com frequência, por isso vamos demorar alguns minutos a analisá-los:
Linha do tempo
A linha do tempo é a parte do software de animação que representa o progresso da animação ao longo do tempo.
Dependendo do software, podemos utilizar a linha do tempo para fazer alterações ao tempo da animação, bem como à posição dos elementos.
Taxa de Moldura
A taxa de frames de uma animação é o número de imagens individuais (ou frames) que estão a ser exibidas durante o espaço de um segundo. É um ajuste que se pode ajustar no software de animação.
A animação é normalmente feita em 24 fotogramas por segundo (FPS).
Trabalhando em One's & Two's
Trabalhar em One's ou Two's é um termo usado em animação desenhada à mão.
Trabalhar no seu próprio desenho significaria fazer um novo desenho sobre cada um dos quadros da animação.
Trabalhar a dois significa manter cada desenho por dois quadros, pelo que um segundo de animação a 24 quadros por segundo seria apenas 12 desenhos, e não 24.
Na animação 2D, trabalhar em dois parece bem na maioria dos casos, e há até casos em que os desenhos podem ser segurados por mais tempo. Em 3D, no entanto, trabalhar em uns é o padrão.
Tiros e Cenas
Normalmente na realização de filmes de acção ao vivo, o termo"filmado" refere-se às imagens entre as edições da câmara, enquanto uma cena são todos os disparos e diálogos que ocorrem num determinado local durante um bloco de tempo contínuo.
Na animação, contudo, utilizamos frequentemente os termos 'cena' e 'filmado' de forma intercambiável. Quando falamos de uma cena/foto, referimo-nos frequentemente a uma peça de animação contínua específica entre cortes de câmara.
Quadros-chave | Quebras | Inbetweens
Molduras chave, avarias e in-betweens são termos importantes, mas significam coisas ligeiramente diferentes dependendo no tipo de animação.
Na animação desenhada à mão, os quadros-chave (ou apenas chaves) são as principais poses importantes que definem a cena. As quebras surgem entre chaves e definem o que será o movimento de chave em chave. In-betweens são todos os quadros que se interpõem para suavizar o movimento.
Em 3D, um quadro-chave é qualquer posição na linha temporal onde o animador tenha definido a posição da personagem. In-betweens são todos os quadros que o computador interpreta ou gera automaticamente para mover o personagem de chave para chave.
Quadros-chave
Breakdowns
Frame de interpolação
Imagens retiradas de The Animator's Survival Kit / Richard Williams
Espaçamento | Espaçamento | Aliviar
O tempo, o espaçamento e a suavização são termos intimamente relacionados.
Otempo significa o número total de quadros que serão utilizados para um movimento. O espaçamento é a quantidade de mudança que ocorre entre cada moldura. Diminuir o espaçamento, torna um objecto mais lento, ao mesmo tempo que aumentar o espaçamento o faz parecer mais rápido.
Na animação digital, a facilidade é como o espaçamento é controlado, geralmente através de um gráfico de movimento na linha do tempo.
Pele de Cebola
Ao animar, é muito útil poder ver mais do que um quadro de cada vez.
Na animação em papel, isto é feito através de múltiplos desenhos sobre uma mesa de luz, mas nos programas de animação modernos há muitas vezes uma funcionalidade chamada esfolar a cebola. Permite-lhe ver representações semi-transparentes dos quadros atrás ou à frente do quadro actual em que está a trabalhar.
Composição
Compor é o processo de juntar todas as peças individuais de uma cena para criar a produção visual final.
Pode estar um fundo, múltiplas personagens, e alguns cenários a serem desenvolvidos separadamente. A composição é como todas essas peças se juntam numa única cena.
Os 12 Princípios da Animação
A base de qualquer educação de animação são os 12 princípios da animação.
Os 12 princípios foram um conjunto de conceitos centrais desenvolvidos nos anos 30 pelos animadores dos estúdios Walt Disney enquanto faziam a transição de fazer curtas-metragens para longas-metragens. Foi um processo gradual de descoberta e refinamento à medida que os animadores tentavam empurrar o seu trabalho para um novo padrão mais elevado.
Estes 12 princípios foram compilados pela primeira vez pelos lendários animadores Frank Thomas e Ollie Johnston, em 1981, no seu livro A Ilusão da Vida.
Os princípios são sobre criar a ilusão de vida. Eles ajudam-nos a criar personagens que parecem ter peso, personalidade e existir num mundo real com uma física real a trabalhar.
Embora tenham sido desenvolvidos por animadores 2D, ainda se aplicam a 3D e a qualquer outro tipo de animação.
1. Squash & Stretch
Squash e stretch descrevem como um objeto muda de forma em resposta às forças que agem sobre ele.
Osquash é quando o objecto é comprimido por um impacto de uma força oposta. Esticar é quando um objecto é distendido por algo que o puxa, ou por movimento rápido.
2. Antecipação
A antecipação é um movimento menor que vem antes de um movimento maior e sinaliza que o movimento maior está prestes a acontecer.
3. Encenação
Encenação é a apresentação de um disparo de uma forma que torna o conteúdo do disparo o mais claro possível, e a função narrativa do disparo o mais forte possível.
4. Sempre em frente vs. Pose-to-pose
Straight ahead e pose-a-pose são abordagens diferentes para a animação.
Reto significa criar cada nova moldura em sequência do princípio ao fim. Pose-to-pose significa criar primeiro as poses chave para cada acção, e depois preencher as poses intermédias.
5. Acção de Acompanhamento e Sobreposição
A ação de acompanhamento e sobreposição refere-se à tendência das diferentes partes de um corpo para se moverem a velocidades diferentes.
Isto inclui o conceito de arrastamento, que é quando uma parte do corpo fica para trás quando um movimento começa.
6. Lento para dentro e lento para fora
Lento dentro e lento fora referem-se à tendência dos objectos para acelerarem gradualmente (e depois desacelerarem) quando se deslocam de uma posição para outra.
Estes são por vezes referidos como ease-in e ease-out, ou simplesmente ease-out.
7. Arcos
O princípio dos arcos provém da observação de que os seres vivos não se movem em linhas rectas, mas sim em movimentos curvos.
A criação de arcos claros e graciosos eleva frequentemente a animação e revela o nível de experiência do animador.
8. Acção Secundária
A acção secundária refere-se a movimentos (ou gestos) mais pequenos que apoiam as acções primárias de uma personagem.
Estas acções tornam o tiro mais claro, enfatizando a atitude ou motivação por detrás do movimento.
9. Calendário
O tempo é o controlo da velocidade de uma acção através do número de quadros utilizados para a representar.
É um dos mais fundamentais dos 12 princípios e leva anos a dominar.
10. Exagero
Exagero significa representar um tema de uma forma elevada ou mais extrema, em vez de estritamente realista, a fim de levar a sua animação mais longe.
11. Desenho sólido
Desenho sólido significa colocar personagens de uma forma que cria uma sensação de volume, peso e equilíbrio.
O desenho para animação requer ser capaz de desenhar personagens de qualquer ângulo ou pose, tendo em mente a tridimensionalidade.
12. Apelo
Apelo é um termo amplo para quaisquer qualidades do desenho de uma personagem que as torna inerentemente atractivas para a observação.
Isto inclui o design da personagem, assim como a forma como a personagem é animada.
Para uma análise mais profunda dos 12 princípios...
Sugerimos que se verifique o nosso Fundamentos da Animação curso.
Abrange os princípios básicos da animação de personagens, e aprofunda cada um dos 12 princípios da animação, bem como os fluxos de trabalho e técnicas básicas de animação. Se está apenas a começar e quer ter a certeza que os seus princípios básicos estão cobertos - este curso é o melhor lugar para começar.
Tipos de Animação
Existem muitos tipos diferentes de animação, alguns dos quais provavelmente já conhece, por isso vamos fazer um resumo rápido dos diferentes tipos de animação e quais são as diferenças e semelhanças.
Animação 3D
Toy Story 4 | Estúdios de Animação da Pixar
3D, também referido como CGI (imagens geradas por computador), é o tipo mais popular de animação para longas-metragens actualmente, e tornou-se comum também na televisão e em curtas-metragens.
Este é também o mesmo tipo de animação utilizado para criar personagens digitais para filmes de acção ao vivo e animação para jogos de vídeo.
Um animador utiliza um fantoche digital (chamado " character rig") para posicionar a personagem, e depois utiliza um sistema de caminhos de movimento (ou splines) para definir o movimento da personagem entre essas poses.
O computador procede à interpolação dos quadros da animação entre os quadros-chave. O animador então refina esses frames até que eles fiquem satisfeitos com a animação.
A animação 3D é um processo tecnicamente intensivo, que muitas vezes envolve muitos especialistas separados para modelar o personagem, montá-lo com ossos e controlos, animá-lo, e depois texturizá-lo e iluminá-lo para a versão final.
Animação 2D desenhada à mão
O Livro da Selva | Produção Walt Disney
O primeiro tipo de animação 2D pode ser chamado de animação tradicional ou animação celuloide. Prefiro o termo animação desenhada à mão porque isso define o seu aspecto mais importante - o facto de ser desenhada à mão.
Este é provavelmente o tipo clássico de animação com que está mais familiarizado. Antigamente, os animadores desenhavam personagens quadro a quadro, e depois esses desenhos eram transferidos para folhas de acetato transparente chamadas cels para pintura. É daí que vem o termo animação cel.
Durante os anos 90, quase todos os estúdios de animação deixaram de usar cels e começaram a digitalizar desenhos para o computador para colorir digitalmente, e agora muitos animadores desenhados à mão saltam completamente o papel e desenham directamente para o computador usando um tablet ou monitores Wacom Cintiq.
Assim, a animação desenhada à mão poderia ser feita inteiramente analógica ou inteiramente digital, ou alguma mistura das duas. O importante é que os animadores desenhados à mão ainda criem a sua animação quadro a quadro utilizando as mesmas técnicas e princípios que nos velhos tempos do papel e dos cels.
Animação Vectorial 2D
Rick e Morty | Adult Swim
Hoje em dia existem novas formas de criar animação 2D usando um fantoche digital 2D. Estes são personagens 2D que são construídos com um sistema de ossos e controlos que podem ser manipulados de uma forma semelhante a um equipamento de personagens 3D.
A diferença entre os caracteres 2D manipulados e os caracteres desenhados à mão pode ficar um pouco desfocada. Programas como Toon Boom Harmony e Adobe Animate CC permitem-lhe misturar e combinar perfeitamente animação desenhada à mão com técnicas de fantoches 2D, por vezes até dentro da mesma personagem.
Uma personagem pode ter ossos que deixam o animador criar poses, mas também ter outras partes que são animadas à mão.
Animação de Stop Motion
Kubo e as Duas Cordas | Laika
O stop motion tem várias variantes, mas todas elas envolvem a manipulação de objectos do mundo real. Estes objectos são ligeiramente movidos, e fotografados um quadro de cada vez. Quando mostradas em sequência, estas molduras criam a ilusão de movimento.
Em movimento de paragem superior, como os criados por Laika (Coraline, Kubu e as Duas Cordas), um fantoche especialmente preparado é filmado num palco em miniatura.
A argila é uma técnica semelhante. Nela são utilizados caracteres maleáveis, embora geralmente sejam feitos de uma substância chamada plasticina, e não de argila real.
Também pode fazer stop motion com figuras regulares, e objectos, como todas aquelas grandes animações de Lego que pode encontrar no YouTube.
Outra variação do stop motion é a animação de recorte de papel. Neste estilo, os personagens são construídos a partir de formas de papel. Podem ser fixadas nas juntas para fazer uma figura possível, ou peças podem ser colocadas no lugar para que possam ser trocadas. São depois movidas e fotografadas quadro a quadro, tal como um fantoche de stop motion. Foi assim que o South Park foi originalmente animado.
Outro tipo raro de movimento de paragem chama-se pixelação. Na pixelação, são utilizadas pessoas reais em vez de fantoches.
Todos estes tipos de stop motion partilham uma característica importante:
Todos eles têm de ser filmados continuamente, o que significa começar no frame um e filmar cada frame um após o outro, até ao fim da cena.
Se for cometido um erro num quadro, é muito difícil corrigi-lo sem ter de começar tudo de novo. Não se pode simplesmente redesenhar esse frame como se faz na animação 2D. Isto faz com que este tipo de animação seja particularmente intenso e requer muito paciência.
Animação de Gráficos de Movimento
Motion graphics
A última grande categoria de animação é a dos gráficos em movimento. Os gráficos em movimento concentram-se em fazer apresentações dinâmicas e interessantes de logotipos de texto em movimento e ilustrações básicas.
Os gráficos em movimento podem ser tanto 2D como 3D, e encontrá-los-á em todo o lado em anúncios publicitários, vídeos explicativos, eventos desportivos, notícias e outras produções televisivas.
A animação de personagens está geralmente fora do escopo dos motion graphics, mas muitos dos princípios centrais da animação também se aplicam aos gráficos em movimento.
Para um olhar mais aprofundado sobre os 5 tipos de animação, confira o nosso guia completo sobre os 5 tipos de animação, incluindo a história detalhada de cada tipo, e as melhores escolas, software e cursos.
O Processo de Animação
Agora que compreendemos os conceitos básicos do que é a animação, vamos rever o fluxo de trabalho da criação de animação.
Primeiro, vou cobrir os passos básicos do canal de produção de filmes de animação (todas as partes móveis necessárias para criar um filme de animação), e depois vou interromper o processo de animar realmente uma filmagem do princípio ao fim.
Então, quais são os passos para fazer um filme de animação?
1. História
A primeira parte (e provavelmente a mais importante) da realização de qualquer filme é uma boa história.
Se não conseguir a sua história desde o início, então por muito bom que seja o seu filme, as pessoas não vão gostar de o ver. A história vem primeiro. certifique-se de que é boa e que funciona antes de seguir em frente.
Na animação, a história frequentemente evolui e muda durante a produção, uma vez que não se restringe a quaisquer filmagens que tenha no cenário, por isso, quanto mais trabalho se dedica ao desenvolvimento da sua história, mais se reduz o tempo perdido durante a produção.
2. Roteiro
Quando a ideia para a história estiver pronta para ser colocada em palavras, o passo seguinte é escrever o guião.
É importante transferir a ideia para palavras o mais depressa possível, para que possamos detectar quaisquer problemas com a história antes de entrarmos em produção.
3. Arte Conceitual
Quando o guião está pronto, a arte conceptual é muitas vezes criada para estabelecer o estilo visual do filme.
É um passo realmente divertido, e é a primeira oportunidade que temos de ver partes do filme ganharem vida no papel. É tudo uma questão de explorar e experimentar coisas.
4. Storyboard
A seguir está a criação de um storyboard, que é provavelmente um dos passos mais importantes para a realização do filme.
O Storyboarding permite-lhe olhar para o seu filme como um todo e ver a história e as questões de ritmo. Fazer um também lhe fornece algo que pode mostrar a outras pessoas para feedback. A maioria das pessoas reage melhor a um "storyboarding" do que a um guião.
Quando estivermos felizes com as pranchas, passamos a criar um animatic.
5. Animatic
Um animatic é a versão cinematográfica do seu storyboard.
Se o storyboard é como uma banda desenhada, então um animatic é como um filme.
Trazemos todas as placas para um programa de edição e editamos com o timing correto, adicionamos algumas músicas e efeitos sonoros temporários (apenas o suficiente para transmitir os diferentes ritmos da história), e quando terminamos temos a primeira versão do nosso filme pronta para assistir.
Por muito bom que seja um storyboard, um animatic dá-nos realmente um primeiro vislumbre de como vai ser o nosso filme.
6. Criação de bens
Neste momento, dependendo do seu meio de animação escolhido, estaremos a criar os diferentes recursos para o nosso filme.
Para animação 3D, vamos criar os modelos para os personagens, ambientes, cenários e adereços. Usaremos a arte conceptual e as folhas de modelos como nossa referência. Estes modelos terão então que ser manipulados com um esqueleto 3D com controles, para que possamos animá-los na nossa cena.
Para animação 2D vamos desenhar o fundo, finalizar as folhas de desenho dos personagens e, se necessário, montar os personagens no nosso software de animação 2D.
Para a animação em stop-motion vamos construir os nossos cenários, os nossos bonecos, os adereços e as diferentes peças de roupa necessárias para o filme.
7. Previs
Antes de começarmos a animar as nossas cenas, há outro passo importante para que a história funcione, e que é criar um previs (ou pré-visualização).
Uma previsão é a próxima encarnação do animatic, desta vez utilizando modelos 3D.
Configuramos as nossas filmagens no programa 3D, com os ângulos finais de câmara e movimento, e criamos animação muito básica para os personagens, apenas o suficiente para transmitir a ação que supostamente devem estar a fazer.
Depois trazemos todas estas fotos para o programa de edição, tal como fizemos com o animatic, e agora temos uma versão previz do nosso filme, com os modelos 3D e o movimento da câmara correctos.
porque a animação leva muito tempo, esta é a última chance que podemos ter de fazer qualquer mudança séria na história do nosso filme. Será um enorme desperdício se tivermos de fazer mudanças na história após a fase de animação.
8. Animação
Estamos finalmente prontos para a animação!
É aqui que finalmente trazemos vida ao filme. Os personagens começam a mover-se, e podemos ver a alma do filme ganhar vida na nossa frente.
É uma coisa incrível de se ver, mas também leva muito tempo. Feito incorretamente, pode arruinar o nosso filme. Uma má animação é como uma má representação: Mesmo que a escrita e a história sejam sólidas, as pessoas não vão notar se não for bem vendido.
Mais tarde, nesta secção, vamos aprofundar os 6 passos da animação.
9. Texturing | Lighting | Rendering
Esta etapa aplica-se principalmente à animação 3D, embora a animação 2D passe por etapas de pós-produção semelhantes a esta, e a animação em stop-motion passa muito tempo a fazer composições e efeitos diversos em cima das suas fotos também.
Em 3D, os modelos precisam de ser texturizados, o que significa criar diferentes materiais atribuídos às diferentes partes dos modelos. Alguns simulam metal, alguns plásticos e até alguns para pele e cabelo.
Depois acendemos as fotos com luzes virtuais, replicando o mais próximo possível como a luz funciona na vida real.
Depois, quando as nossas fotos são texturizadas e iluminadas, iniciamos o processo de renderização, que é o computador que calcula todos os dados das nossas cenas, e cria imagens estáticas a partir delas.
Depois levamos estas imagens para um programa de composição, como Nuke ou After Effects, extraímos os dados necessários das imagens e combinamo-los para criar as nossas imagens finais.
10: Edição | Correcção de cor
Uma vez que as nossas imagens estejam compostas e prontas, trazemo-las de volta para o nosso programa de edição e substituímos as nossas fotos previsíveis pelas nossas novas fotos compostas, tal como substituímos as fotos animadas pelo previz.
Agora podemos ver o nosso filme acabado no cronograma de edição pela primeira vez, mas, na verdade, ainda não está terminado. Precisamos fazer alguma correção de cor e classificação.
A correcção de cor é o processo de manipulação das cores de cada plano individual para que corresponda à cor que vem antes / depois dele. Nós também nos certificamos de que cada foto não tenha partes muito brancas ou muito pretas, basicamente a trabalhar para que tenhamos uma cor consistente e correta em todo o filme.
Depois fazemos gradação do nosso filme, que é a parte mais divertida e criativa, na qual tentamos criar um estilo visual para o filme inteiro, e dar-lhe um aspecto distinto.
11. Música | Design de som
O ideal é trabalharmos com um músico desde o primeiro dia de produção, certificando-nos de que a música se encaixa no que estávamos a tentar fazer com o filme, e certificando-nos de que o filme funciona com a música.
A música não é normalmente algo em que nos limitamos a despachar no final, e por isso prefiro tê-la comigo durante toda a produção para que se torne parte integrante da história.
O designer de som finaliza então todos os efeitos sonoros do filme, como loucura, ambientação e vozes, além de dominar e misturar no áudio final do filme.
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Os 6 passos da animação
Falamos sobre o fluxo de trabalho do pipeline de produção de filmes de animação, agora vamos entrar nos passos reais da animação de personagens.
Aqui estão os 6 passos da animação:
- Filmagem do vídeo de referência
- Poses de chaves
- Bloqueio
- Splining
- Suavização
- Acrescentar vida
Passo 1: Vídeo de referência da filmagem
Este é um passo muito importante e negligenciado. É estranho como as pessoas pensam realmente saber como são certas acções, e quanto tempo demoram, mas acabam por se enganar.
As acções físicas são algo que precisa de analisar antes de animar, especialmente se for um principiante.
Tens uma cena de alguémo a atirar uma bola de basebol? Procura no YouTube vídeos de arremessadores a atirar bolas.
Não presuma que sabe como é uma acção só porque já a viu antes.
Olhar para uma acção como um animador é completamente diferente de olhar para ela como um espectador.
Passo 2: Poses
Depois de disparar uma referência, é tempo de criar as poses chave do disparo.
Estas poses são chamadas poses chave porque são as poses mais importantes do tiro. Estas são as poses que transmitem a história do disparo. Temos de ter a certeza de acertar essas poses, porque vamos construir sobre as poses para o resto do processo.
Passo 3: Bloqueio
Uma vez satisfeitos com as nossas poses chave, começamos a quebrar o movimento de cada pose para a próxima, acrescentando "em entrepostos " (também conhecidas como poses de quebra ou poses de passagem). Estas são as poses que ligam as poses chave.
Continuamos a adicionar mais poses até o movimento parecer o melhor possível, enquanto ainda se mantém em modo escalonado (o modo escalonado é quando não se permite a interpolação entre poses, o que resulta num movimento muito agitado/blocky).
Passo 4: Splining
Splining é um termo de animação 3D. É o processo em que se converte a interpolação das chaves de escalonado para estriado.
Por outras palavras - faz o computador ligar o movimento entre cada uma das suas poses, e isso faz com que o movimento pareça mais suave .
O problema é que o computador não faz um trabalho muito bom de interpolação. Ele só funciona com o que tem. É por isso que quanto melhor for o bloqueio - melhor a versão estriada vai parecer.
Passo 5: Refinação e compensação
Agora que todas as nossas chaves estão em modo spline, precisamos de trabalhar nelas. Aperfeiçoamos as curvas de animação e asseguramos que o movimento pareça suave.
É também uma boa ideia compensar algumas das acções para que não pareça tão "parar e começar", como se a personagem estivesse a fazer toda a moção de uma só vez.
No final deste passo, a sua tacada deverá parecer bastante sólida e quase terminada.
Passo 6: Acrescentar vida
Este passo é muito divertido.
Já terminámos o trabalho grunhido de animação, e está na altura de acrescentar pequenas imperfeições que dão vida à personagem.
Talvez uma piscadela extra ou um estremecimento da boca aqui e ali. A diferença entre os últimos 2 passos é pequena mas poderia fazer a diferença entre uma boa animação e uma grande animação.
Software de Animação
Depois de "Por onde eu começo", o tópico que mais me perguntam é provavelmente sobre software. Todos querem saber sobre ferramentas.
É Maya? Depois dos Efeitos? Flash?
Aqui está uma listagem das nossas opções ao escolher um software de animação baseado no tipo de animação:
Software de Animação 3D
Este é um guia para principiantes, por isso o software 3D pode ser avançado para alguns de vós, mas penso que é importante estar familiarizado com o que há por aí para que saibam o que a indústria usa e o que devem considerar seguir se planeiam fazer disto a vossa carreira.
Tendo dito tudo isto, o Blender é um programa gratuito, por isso é bem-vindo a entrar e brincar com ele (com a ajuda do nosso curso de Blender), e Maya oferece uma licença educacional gratuita, por isso, se estiver apenas a aprender, poderá começar sem investir qualquer dinheiro por enquanto.
Autodesk Maya
O padrão da indústria para animação por computador. Se você quer fazer animação profissionalmente, este é o programa em que você deve se concentrar. Animação 3D, modelagem, simulação e software de renderização com um conjunto de ferramentas integradas e poderosas. Use-o para animação, ambientes, motion graphics, realidade virtual, e criação de personagens.
Preço: $195/Mês | Grátis para estudantes
Blender
Um programa 3D gratuito e de código aberto, o Blender oferece um amplo espectro de modelagem, texturização, iluminação, animação e funcionalidade de pós-processamento de vídeo em um único pacote. Através de sua arquitetura aberta, o Blender oferece interoperabilidade entre plataformas, extensibilidade, uma pegada incrivelmente pequena, e um fluxo de trabalho totalmente integrado.
Preço: Grátis
Cinema 4D
Cinema 4D é o melhor amigo de um artista gráfico em movimento. É um programa 3D para o utilizador do After Effects. Muito intuitivo, e funciona directamente com After Effects sem a necessidade de renderizar primeiro. Esta não seria a minha primeira escolha para a produção séria de filmes 3D, uma vez que é concebido a partir do zero com os gráficos em movimento em mente, mas é um programa espantoso e versátil.
Preço: $59.99/Mês
Software de Animação 2D
A animação 2D é um óptimo local para iniciar a sua viagem de animação. A maioria dos programas abaixo são baratos e relativamente fáceis de aprender.
Animate CC e After Effects são óptimas escolhas para brincar com animação 2D tanto na forma desenhada à mão como através da criação de bonecos, enquanto que o Character Animator não requer nenhum desenho, e utiliza o seu rosto como condutor da animação. E se quiser ser profissional, Toon Boom Harmony e TVPaint serão as suas melhores opções.
Animate CC (anteriormente Flash)
Provavelmente o mais popular software de animação 2D por aí. O Animate tem uma longa linhagem de criação de animação, que remonta aos primeiros tempos da publicação de vídeos na Internet. A sua interface intuitiva e o seu preço relativamente barato fazem dela uma óptima escolha para começar a fazer animação 2D.
Ler: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animar)
Preço: $20.99/Mês
Toon Boom Harmony
Harmony é um software 2D mais avançado, ideal tanto para animação quadro a quadro como para animação baseada em plataformas. Tem sistemas avançados de manipulação, efeitos e ferramentas de câmara. É baseado em vectores, mas a versão mais avançada tem também a opção de desenho bitmap.
Ler: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animar)
Preço: $24/Mês
TVPaint
Um software de animação francês, TVPaint é o software de animação 2D tudo-em-um de que alguma vez precisará. É definitivamente mais robusto e complexo do que o Photoshop, mas é também muito mais caro. Este software é para animadores e estúdios profissionais.
Preço: 500 euros (250 euros para estudantes)
Animador de personagens
Um programa de animação mais recente com uma reviravolta interessante. Em vez de animar da forma tradicional, o Character Animator usa a sua webcam e microfone para animar automaticamente uma personagem pré-construída em tempo real, quase como uma captura de movimento. Esta é uma óptima opção para principiantes, uma vez que requer a menor quantidade de experiência de animação.
Preço: $20.99/Mês
Curso de Animação
Uma escolha interessante para animação 2D. Os efeitos posteriores dão-lhe um grande controlo na criação de sondas para 2D usando a ferramenta fantoche e diferentes expressões. É uma boa escolha se já estiver confortável com o ambiente Adobe.
Preço: $20.99/Mês
Software Stop-Motion
Stop-motion é quantos jovens aspirantes a animadores obtêm a sua primeira experiência de animação, usando figuras de acção, legos, ou mesmo barro.
Listamos aqui 2 opções muito diferentes. Uma destinada a principiantes que estão a experimentar animação pela primeira vez, e a outra é um software de animação de nível prodigioso destinado a levar o seu trabalho para o nível seguinte.
Dragonframe
Dragonframe é o padrão da indústria para animação em stop-motion, e foi utilizado em filmes como Kubo e as Duas Cordas e Shaun a Ovelha.
Se está a planear fazer um vídeo profissional em stop motion, Dragonframe é a melhor ferramenta para o trabalho. O seu software abrangente pode ser usado com muitos acessórios diferentes, tais como um dispositivo que controla a câmara, luzes e até mesmo puxar o foco.
Preço: $295
Stop Motion Studio
O Stop Motion Studio é uma aplicação de stop motion de nível básico para todos os dispositivos e plataformas que se ligam a qualquer câmara digital, telefone ou tablet para criar excelentes vídeos em stop-motion com simplicidade e facilidade. Esta é uma ótima escolha se você está apenas a começar.
Preço: $4,99 (iOs/Android) | $9,99 (Mac/Windows)
Hardware de Animação
O hardware está a ficar mais barato, e o software estámais eficiente. Você pode executar a maioria dos programas de animação na maioria dos computadores modernos, e os tablets de desenho estão ficando muito acessíveis.
Aqui está uma pequena lista do que recomendamos para animadores de todos os níveis:
One da Wacom
A escolha perfeita para principiantes.
Esta pastilha Wacom de nível introdutório é a forma mais barata de utilizar uma pastilha. Isto permite-lhe fazer animação desenhada à mão sobre um orçamento, e beneficiará também os animadores 3D, uma vez que o tablet é muitas vezes mais fácil de usar do que um rato num programa 3D.
Preço: $59-$69
Wacom Intuos Pro
Levá-lo para o nível seguinte.
Se precisar de mais desenho imobiliário, ou se estiver a usar um tablet para animação 3D, esta é a melhor escolha para o trabalho. Verá estas pastilhas na maioria dos estúdios de produção, e é uma escolha popular para estudantes de animação que querem fazer um bom trabalho, mas não podem pagar as pastilhas Cintiq de topo de gama. Vem em 3 tamanhos, sendo que o Medium é o mais popular.
Preço: $230-$479
Wacom Cintiq Pro
A favor.
Para a produção de animação topo de gama, o Wacom Cintiq é a escolha final. É basicamente um monitor gigante (13", 16", 24" ou 32") em que se pode recorrer directamente. Torna o desenho preciso muito mais fácil e mais reactivo do que um tablet normal, mas tem um custo muito mais elevado.
Preço: $649-$3299
Computador
O bom de usar programas 2D como Animate CC ou mesmo Toon Boom, é que a maioria dos computadores modernos são capazes de os executar muito bem.
Quando se entra em 3D, as coisas podem tornar-se complicadas, mas não têm de o fazer. Se estiver a renderizar mundos massivos com configurações de iluminação complicadas, precisará de um computador forte com uma placa gráfica cara, mas existem outras opções:
- Pode fazer a maior parte da composição em Nuke como eu fiz para LIFT UP.
- Você pode usar uma quinta de renderização como que fizemos para o Tasteful.
Livros de Animação
Poderiam ser apresentados diferentes argumentos para o qual é o melhor livro para aprender animação, mas aqui estão alguns que o ajudarão a aprender e a aperfeiçoar as suas capacidades, independentemente do tipo de animador que queira ser.
O Kit de Sobrevivência do Animador / Richard Williams
Este livro é a Bíblia de um animador. Cobre exaustivamente os conceitos básicos de espaçamento, timing, caminhadas, corridas, peso, antecipação, acção sobreposta, tomadas, cambalear, diálogo, animação animal e muito mais. Não é chamado de "Kit de Sobrevivência" por nada.
Este livro vai ensinar-lhe TUDO O QUE PRECISA DE SABER para iniciar a sua formação como animador.
Animação de desenhos animados / Preston Blair
Originalmente lançado em 1994, Cartoon Animation (também conhecido como "The Preston Blair Book"), tem sido uma fonte de referência surpreendente para a criação de animação ao estilo dos desenhos animados.
Com este livro você aprenderá a desenvolver um personagem de desenho animado, a criar movimento dinâmico e a animar o diálogo com a ação.
A Ilusão da Vida / Frank Thomas e Ollie Johnston
Este livro começou como um guia de animação e transformou-se num levantamento detalhado da progressão da animação, tanto dentro dos estúdios da Disney como no mundo da animação em geral.
Escrito por dois dos nove homens velhos que definiram o estilo de animação Disney, este livro leva o leitor através de todas as etapas de descoberta e pesquisa do os melhores métodos de animação.
Prepararas suas fotos / Jeremy Vineyard
Um ótimo livro para obter um entendimento básico da composição da cena e do movimento da câmera para melhor contar histórias e fazer filmes.
Este livro é ótimo tanto para cineastas estreantes quanto para experientes à procura de grandes referências de rodagem.
Cursos de Animação
A Bloop Animation é, acima de tudo, uma plataforma de aprendizagem de animação com cursos de vídeo premium. Alguns concentram-se em software (como Maya ou Animate CC) enquanto outros lhe ensinam competências específicas (como fundações de animação ou storyboarding).
Os cursos on-line tornaram-se insanamente populares nos últimos anos, e são agora altamente produzidos, e uma alternativa muito eficaz às escolas tradicionais.
Porquê?
É mais barato. Muito mais barato.
As escolas de arte são loucamente caras. Gastar 20-40k dólares por ano (o mais provável é endividar-se) é uma decisão enorme, e está a ficar cada vez menos valiosa.
Oscursos em linha, mesmo os dispendiosos, só lhe custarão algumas centenas de dólares (talvez alguns milhares se estiver a fazer um programa de certificados em linha que leva vários meses). Isso não é muito próximo de quanto custa uma faculdade de arte tradicional. Isto torna-a muito mais acessível para uma vasta gama de artistas que no passado teriam de desistir dos seus sonhos, ou pedir emprestado uma tonelada de dinheiro.
É um grande test-drive
Talvez a animação não seja para ti? Não seria ótimo descobrir isso antes de passar dezenas de milhares de dólares + preciosos anos da sua vida?
Fazer um curso de animação online é uma forma barata e eficiente de verificar se está preparado para a tarefa. Veja se gosta. Pode sempre decidir prosseguir um curso após o facto, mas esta é uma óptima maneira de fazer a sua pesquisa e certificar-se de que seguir por este caminho é o mais adequado para si.
Você não precisa de um diploma, de qualquer forma.
Uma das vantagens de trabalhar numa indústria criativa como a animação é que o seu trabalho fala mais alto do que qualquer credencial no seu currículo. Se o seu carretel de demonstração for bom - será contratado. Ninguém se importará com a escola que não frequentou.
Você pode tê-los enquanto trabalha.
Uma grande vantagem dos cursos em linha é que os pode levar no seu tempo livre.
Se você está em transição de uma profissão diferente e trabalha em tempo integral, você pode fazer esses cursos nos finais de semana, noites e intervalos para almoço.
Você pode personalizar o seu próprio caminho de aprendizagem
Uma das coisas incríveis sobre educação online é que você pode combinar fontes de diferentes lugares.
Numa escola tradicional tem de se ater ao programa (geralmente 3-4 anos) e muitas vezes frequentar muitos cursos nos quais não tem interesse, ou que não contribuem realmente para o seu caminho de crescimento pessoal. Com cursos on-line, pode construir o seu próprio caminho de aprendizagem.
Sim, os nossos cursos incluem um caminho construído para você seguir, mas só é feito de coisas que você precisa de saber para animar, e nada mais. Além disso, pode sempre saltar uma lição que considere irrelevante.
É uma ótima maneira de maximizar a sua educação
Os cursos em linha podem beneficiá-lo QUANDO for um estudante de um programa tradicional.
Quando fui para a escola de arte procurei CONSTANTEMENTE por tutoriais online (os cursos online não eram tão populares na época, mas ainda havia alguns) e assisti a tudo o que eu conseguia deitar a mão.
Fazer isso enquanto estava na escola realmente impulsionou as minhas capacidades e motivou-me a trabalhar mais e a melhorar. A escola só o pode levar tão longe, e irá guiá-lo na direcção certa, mas cabe-lhe a si certificar-se de que se esforça por dominar a sua arte.
Aqui está a lista completa dos nossos cursos em vídeo:
Cursos em vídeo
Entrar na Indústria da Animação
Então como dar o próximo passo? E se quiser fazer da animação a sua carreira?
Como é que se entra com o pé na porta?
Os animadores geralmente precisam de 3 coisas para conseguirem um emprego na indústria:
- Um currículo.
- Um sólido carretel de demonstração.
- A website da carteira com o seu próprio domínio. Não dessa porcaria de john.wordpress.com. Veja estes excelentes modelos Wordpress para tornar a sua vida mais fácil.
Para muitas profissões, ter um bom currículo ou carta de apresentação é o factor mais importante para conseguir um emprego. Para os animadores e efeitos visuais, é tudo sobre a bobina de demonstração.
Ao longo dos anos fiz muitas bobinas de demonstração para mim, e vi dezenas de bobinas de outras pessoas. Antes de começar a enviar o seu carretel para um monte de estúdios, peço-lhe que leia o nosso guia demo-reel. Recolhi uma tonelada de informação sobre como criar uma bobina de demonstração de animação eficaz que o consegue realmente contratar. Não falte a isso.
Então tenho umas gravações de demonstração. E agora?
Como não o conheço pessoalmente, vou dar-lhe os melhores conselhos que penso que beneficiariam a maioria das pessoas: A melhor maneira de ser notado é criar coisas.
Ter um BFA em animação ou um diploma de uma escola em linha irá certamente ajudar, mas não irá garantir um emprego após a graduação.
Sabe o que fiz no dia seguinte à formatura?
Animação continuada para o meu carretel. E foi o que fiz todos os dias até ter o meu primeiro trabalho como freelancer. E depois do trabalho continuei a trabalhar em mais filmagens para estar pronto para o tempo em que o projecto freelance estivesse terminado.
Tens de continuar a fazer. Sempre.
Há sempre tempo suficiente para trabalhar no seu rolo, especialmente no primeiro ano da sua carreira de animação. Quando adicionar coisas à sua bobina, certifique-se de que segue as nossas Directrizes Demo Reel para que não perca o seu tempo.
Se você continuar criando coisas e a colocá-las cá fora, enquanto se candidata constantemente a estúdios, você eventualmente será notado, e contratado.
Percursos de carreira para animadores
Filme / TV
O caminho de carreira mais óbvio (embora não o mais fácil) é trabalhar em filmes e programas de TV (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network, etc.)
Mesmo que a percepção mais comum do que um 'animador' faz seja animar personagens como Wall-E ou o cão em Up, muito trabalho de animação nesta indústria acontece em VFX e animação mecânica também em filmes de ação ao vivo. Quase todos os filmes de ação ao vivo que você vê usam animadores até certo ponto.
A maior parte do trabalho no filme e na TV acontece na Califórnia, e entrar nos grandes estúdios pode levar anos para se candidatar antes de entrar pela porta.
Anúncios
Trabalhar em comerciais requer um conjunto de competências diferente do que o cinema e a televisão. Embora você ainda possa estar animando personagens, a linha do tempo de produção é muito mais rápida, e seria esperado que você fizesse mais tarefas diferentes em vez de se especializar.
Além disso, =trabalho comercial muitas vezes será motion-graphics em vez de animação de personagens. Isso significa que saber After Effects e/ou Cinema4D é mais relevante se esse for o seu caminho.
Animar em comerciais pode não ser o que você foi se tornar e animador, mas ainda pode ser muito divertido, e há muito mais trabalho a ser feito, e os locais são quase um problema, já que a maioria das grandes cidades tem empresas de produção produzindo trabalho comercial até certo ponto.
Pré-visualização (Previz)
Um campo menos conhecido para os animadores é a prevenção do trabalho. Os animadores Previz criam uma pré-visualização da peça (comercial, filme, etc...) através da animação de figuras temporárias num ambiente de simulação para permitir ao realizador ter uma noção das suas filmagens e composição.
Ficará surpreendido com a quantidade de estúdios e casas de produção que utilizam previs, e algumas empresas dedicam-se a criar previs apenas para diferentes produções.
Com o crescimento maciço do uso do previz tanto em comerciais, como em TV e cinema, os animadores do previz podem obter trabalho em vários campos e localizações, embora como aspirante a animador você possa não conseguir fazer seu melhor trabalho (já que a animação tem que ser feita rapidamente e a qualidade não é um grande fator) e seu trabalho não será realmente visto por um público.
Jogos de vídeo
A indústria dos videojogos é enorme e há muito trabalho para os animadores nela. O trabalho em si varia muito desde a captura de movimento até à animação completa de personagens, passando pela criação de ciclos de animação que se desenrolam ao longo do jogo.
Se você já jogou um jogo da Blizzard, ou viu algumas das peças cinematográficas dos jogos Final Fantasy, você sabe que os videogames produziram algumas das maiores peças de animação, e impulsionaram a tecnologia tanto quanto os filmes. Trabalhar nesta indústria pode ser muito divertido, e emprega animadores tanto em 3D quanto em 2D e oferece uma grande variedade de trabalho.
Motion Graphics
Eu mencionei o motion graphics quando escrevi sobre o trabalho em comerciais, mas os artistas de motion graphics trabalham em uma veridade muito mais ampla de projetos. Desde vídeos explicativos a projeções de eventos até demonstrações de software de interface de usuário.
A vida de motion graphics é muitas vezes a vida de um freelancer, saltando de um projecto para o outro, usando principalmente After Effects (às vezes em combinação com Cinema4D)
Independente
Um novo tipo crescente de animador é o animador independente. Eles usam principalmente o YouTube como plataforma principal e ganham a vida através de anúncios, patrocínios e mercadorias, e o minério e mais destes animadores aparecem a toda a hora.
Outros cineastas de animação podem usar o crowdfunding para financiar seus filmes, ou conseguir estúdios para financiar seus filmes com um orçamento indie.
Director
Ao contrário da maioria dos empregos, não há um caminho claro para se tornar um diretor.
Ir para a escola de cinema não garante um emprego de realizador depois, e raramente há uma vaga de emprego sob "Realizador" online. Algumas pessoas chegam lá aos 21 anos, e outras passam toda a sua vida a tentar e nunca conseguem.
O mesmo se aplica a ser um director de animação. Alguns começam como animadores, alguns artistas de histórias (storyboarding) e alguns transitam da acção ao vivo, nunca tendo animado um dia na sua vida.
Como é que, então, uma pessoa se torna um diretor de animação?
Diretores de animação como Andrew Stanton, Richard Williams e John Lasseter eram animadores antes de se tornarem diretores, e é provavelmente a forma mais comum de se fazer isso, já que os animadores estão muito envolvidos no aspecto de contar histórias do filme.
Então, o caminho seria:
- Ser contratado num grande estúdio como a Disney.
- A subir nas fileiras até se tornar realizador.
Mas, claro, não é assim tão simples.
Primeiro, você estará trabalhando como animador júnior por muitos anos, e provavelmente levará quase uma década para chegar a um lugar onde alguém consideraria até mesmo fazer de você um diretor. E mesmo assim, as hipóteses são próximas de zero.
Para mim, o caminho de trabalhar como um entre centenas de outros animadores durante 10 anos, apenas pela chance de talvez ser notado, não parece ser um caminho muito seguro.
O que eu fiz, em vez disso, foi criar um pequeno cubo e uma pequena bola, e fazer o meu próprio filme. E depois fiz outro. E provavelmente vou continuar.
Então, adivinhe? Tornei-me director. Ninguém me deu oficialmente a licença de realizador, eu apenas fiz filmes. E tque é a única coisa certa que lhe posso dizer sobre como se tornar realizador - começar a fazer filmes.
Ok, então eu preciso de fazer os meus próprios filmes, e agora?
Se vai escolher o caminho do realizador para fazer os seus próprios filmes, sugiro que comece pelas curtas-metragens. Fazer uma longa-metragem é um objectivo que pode demorar muito tempo a atingir, e não é um objectivo realista para a animação se estiver apenas a começar.
Quanto ao que devem ser os vossos filmes, sugiro que se mantenham com personagens/ambientes super-simples, e que se concentrem numa boa história.
Quando comecei a trabalhar em Lift Up, a história em si veio das minhas limitações de não ter boas capacidades de modelismo. É por isso que o filme é sobre um cubo e uma bola. Se quiser ler mais sobre ele em detalhe, leia o nosso guia completo para fazer uma curta-metragem animada. É gratuito.
Foco na capacidade de contar histórias
As habilidades de ser um bom diretor são principalmente sobre ser um bom contador de histórias, assim como compreender o ritmo, a composição e a atuação. Todas estas são habilidades que um bom animador também deveria ter, então se você está vindo da animação, pode ser mais fácil para você.
Concentre-se em mostrar essas habilidades na seu curta, mostrando composições e cinematografia interessantes. É isso que as pessoas procuram em um diretor. Não é de rendições extravagantes ou de modelagem complexa - mas de boa narração.
Lembre-se - ninguém pode fazer de si um realizador. Tem de vir de nós.
Ferramentas e Recursos
Começar a Animar
- Os 5 Tipos de Animação: Este guia decompõe os cinco diferentes tipos de animação à sua disposição, e o que vai precisar para começar a animar. Melhor software, melhores escolas, e muito mais.
- Melhores Escolas de Animação: Uma lista comissariada das melhores escolas de animação do mundo.
- Estúdios de Animação: Um guia detalhado para os melhores estúdios de produção de filmes de animação
- Software de Animação - Que se deve utilizar: Uma listagem das opções que tem ao escolher o seu software de animação.
- Porque não precisa de saber desenhar para ser um animador 3D: Já não tem desculpas!
- Mudança para uma mesa Wacom para Animação 3D: Como fazer a mudança para animação em 3D utilizando uma tábua em vez de um rato.
- Comece a Animar Agora com Menos de 100 dólares: Neste artigo mostro como se pode começar a animar como um profissional com menos de 100 dólares.
Como Fazer um Filme Animado
- O fazer de Tasteful: Todos os passos atrás da realização do filme, do princípio ao fim, explicados da forma mais simples possível,
- A realização de LIFT UP: Todos os vídeos que documentam a realização de LIFT UP num só local.
Construir o seu Portfólio
- Criar um carretel de demonstração de animação - O Guia Completo: Para muitas profissões, ter um bom currículo ou carta de apresentação é o factor mais importante para conseguir um emprego. Para animadores e pessoas de efeitos visuais é tudo sobre o carretel de demonstração.
- Iluminação e Rendering your Animation Demo Reel: Um vídeo tutorial cobrindo uma configuração básica de iluminação/rendering para fazer brilhar o seu carretel de demonstração.
- Criação de um Website de Portfólio: O nosso guia passo-a-passo para criar um website profissional de portfólio a partir do zero.
- Como instalar um Tema Wordpress para o seu Site de Portfólio: Um guia passo a passo para instalar um tema Wordpress.
- Os melhores temas de Wordpress Portfolio: Ter o seu próprio website para mostrar o seu trabalho é extremamente importante. Uma das formas mais fáceis de criar um website de portfólio é utilizando os Temas Wordpress.
- Porquê fazer um segundo filme: Se já fez um filme, eis porque deve começar a trabalhar no seu próximo filme.
Rigs
- Bloop's Ultimate Ball Rig: Uma Sonda de Bola Saltitante de Squash e Stretch Escalável Gratuita para Maya.
- Os Melhores Maya Rigs gratuitos: A utilização de plataformas livres é óptima para exercícios de animação ou para adicionar fotos à sua bobina.
Inspiração
- O que eu fiz após a graduação: A minha história da formatura e tudo sobre como me escolhi
- 5 Razões pelas quais não serás um Animador: Se precisar de um empurrãozinho, leia isto.
- O que Ratatouille e a Universidade dos Monstros me ensinaram sobre ser um Artista: Um artigo provocador de pensamento sobre as lições aprendidas de 2 grandes filmes da Pixar.
- Os melhores documentários de animação: Os filmes mais educativos e inspiradores sobre a indústria da animação e a sua gente.
As nossas curtas metragens
O que vem a seguir?
Agora que você terminou de ler este (muito) longo guia, a decisão é sua.
Acabaram-se as desculpas. Vai fazer algo espantoso. Sabe por onde começar.
- Morr Meroz
