Contenido:

• La idea
• Aprender a escribir una película
• El proceso de escribir un guión
• Pensamientos sobre lo que hace un buen guión
• Reescritura
• Terminando el guión
• Recursos

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La idea

La idea de Snowlands se me ocurrió después de ver un episodio de Planeta Tierra en el que aparecía el escurridizo leopardo de las nieves. En ese episodio, seguíamos a una madre leopardo de las nieves y a su cría mientras atravesaban las montañas del Himalaya.

La historia de madre e hija de los dos leopardos era tan conmovedora que pensé que podría ser un gran tema para una película. En su versión original, Snowlands pretendía ser precisamente eso: una madre leopardo de las nieves y su hija en su último viaje juntas antes de separarse para el resto de sus vidas. Los leopardos de las nieves son criaturas solitarias, y están destinados a pasar su vida solos, cuando el cachorro está preparado para ir por su cuenta.

Pensé que ese ángulo era tan poderoso, que era la única parte de la historia que quedaba cuando el guión estaba hecho. Siempre iba a ser sobre una madre y su hija, yendo por caminos separados.

Esa noción permaneció en el centro de la película, pero casi todo lo demás que pensé que esta película iba a ser terminada de manera diferente.

La madre/hija de los leopardos se convirtió en leopardo al encontrar un cachorro de leopardo varado. Luego se convirtió en un leopardo al encontrar un cachorro de lobo perdido. La historia colocó a los lobos como el principal grupo de animales en la película, con un solo leopardo.

La historia todavía giraba en torno a la relación entre el leopardo y el cachorro de lobo. Todavía se centra en una dinámica madre-hija. Pero no era para nada lo que pensé que la película terminaría siendo.

Y esa es la primera lección que aprendí al escribir un guión:

La historia te dice lo que tiene que ser. No puedes forzarla para que se convierta en lo que imaginabas cuando empezaste a escribir. Tienes que aceptar perder personajes, cambiarlos, cambiar de género, convertir a los villanos en amigos y al revés.

Quería una película sobre una madre e hija leopardo caminando por las montañas nevadas hablando de sus sentimientos. En lugar de eso, conseguí un cachorro de lobo huyendo de su manada, uniéndose a un solitario leopardo de nieve que busca respuestas.

La línea de registro final de la película:

Cuando el destino los une, un cachorro de lobo exiliado y un leopardo de las nieves solitario se ven lanzados a una aventura salvaje, y deben trabajar juntos para liberar las montañas nevadas de una amenaza inesperada.

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Aprender a escribir una película

Cuando empecé a escribir la película, me di cuenta rápidamente de que tengo mucho que aprender si quiero escribir un gran guión. No tengo ninguna formación oficial en escritura de películas, así que tuve que crear mi propio camino de aprendizaje.

Libros, guiones y películas

Decidí crear una educación integral de escritura de películas que se basara en tres pilares:

1. Leer libros de guiones
2. Leer los guiones...
3. Mirando películas.

Encontrarás la lista completa de todos los recursos que he utilizado al final de este post.

Este sistema funcionó bien para mí porque me permitió sumergirme completamente en el cine, mientras acomodaba mis diferentes estados de ánimo u horarios.

Cuando tenía tiempo y atención para leer, leía uno de los libros de guiones de mi lista.

Cuando quería algo más divertido y no estaba listo para "trabajo escolar", leía el guión de una gran película. Las que he visto y las que no.

Cuando no estaba de humor para leer nada, veía una película de género similar a la que estaba escribiendo, e intentaba analizar la estructura y el desarrollo de los personajes.

Aprende intencionadamente

Una cosa importante a tener en cuenta, es que hice todo ese aprendizaje en paralelo a la escritura del guión. Es importante hacerlo porque no podrás recordar todo lo que aprendes, así que lo mejor es poder implementar las ideas para tu propio proyecto rápidamente mientras aún está fresco en tu cabeza.

Además, es mejor centrarse en los guiones y películas que son similares en tono y género a los que estás haciendo, para asegurarte de que consigues ritmos importantes que son comunes en géneros específicos. También puedes explorar otros géneros e intentar encontrar formas interesantes de integrar ritmos de diferentes géneros en tu guión, para darle más sabor a las cosas.

Lo importante es tener un cierto proyecto en mente cuando estás en modo de aprendizaje, para que siempre puedas relacionar lo que aprendes con el trabajo que estás haciendo.

Pero asegúrate de seguir avanzando en tu guión, y no utilices el aprendizaje como una herramienta de procrastinación.

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El proceso de escribir un guión

Es un consejo común el de escribir el primer borrador lo más rápido posible, para tener algo con lo que trabajar, y estoy de acuerdo. Pero, ¿cómo se hace para escribirlo?

¿Esboza toda la historia o improvisa? ¿Qué parte de la historia necesitas saber antes de empezar? ¿Necesitas saber cómo termina? ¿Qué hay del tema? ¿Deberías usar fichas y pegarlas en las paredes? ¿Las hojas de ritmo?

Repasemos algunos de estos conceptos...

Esquematiza y golpea

Los contornos son geniales. Siempre es más fácil escribir cuando tienes un mapa por el que pasar. Pero los buenos esquemas son difíciles de escribir. No siempre sabes todo lo que pasa en tu historia, y cuando eres un novato que nunca ha trabajado con esquemas antes, es aún más difícil.

Yo tuve ese problema. Quería empezar con un esquema, pero me atasqué rápidamente. Mi solución: esbozar otras películas.

Elegí algunas películas que me parecieron similares al tipo de película que quería hacer. Up, Guilt Trip, Shrek, Buscando a Nemo, etc. Luego las vi y las resumí sin entrar en detalles.

En lugar de escribir"Nemo pierde a su mujer y a todos sus hijos menos a uno, lo que le deja asustado y paranoico" escribí"Un incidente del pasado que determina el trauma del personaje A."

Utilicé términos genéricos como "Personaje A", "Incidentes" para poder mirar la estructura de la película de forma pura, y averiguar su estructura básica. No se trata de copiar las ideas de otra película, sino de tener una idea de cómo es un bosquejo exitoso, para que puedas tener una pista para construir el tuyo.

Un gran libro para leer en esta etapa es el de Blake Snyder Salvar al gato. Algunos guionistas se burlarán de esta recomendación, ya que Snyder simplifica todas las películas en fórmulas básicas, pero creo que este libro capacita a los nuevos guionistas y les ayuda a ver que la mayoría de las buenas películas tienen mucho en común.

Este libro no es un atajo, y es bastante superficial en su actitud hacia la escritura, por lo que tiene una mala reputación. Pero se construye sobre eso, y no simplemente se toma una fórmula y se exprime la película en ella, podría ser un primer libro muy divertido en su viaje de escritura.

Un concepto importante que te ayuda a construir tu esquema es el de los golpes.

Los tiempos son básicamente momentos generales de la historia, como "Preparación", "Catalizador", "Entrada en el segundo acto" o "Los malos se acercan". Cuando se lee el desglose de todas las películas incluidas en el libro de Snyder, se ve lo similar que es la sincronización de estos momentos en las distintas películas.

Por eso algunos escritores rechazan el libro, ya que simplifica demasiado el guión, pero sugiero que tenga en cuenta estos ritmos mientras escribe su bosquejo. De todas formas, más tarde cambiarás un montón de él, pero es una gran herramienta para mantenerte en el camino.

Una vez más, esto debe servir como punto de partida, o una luz de guía para empezar. De todos modos, cuando termine, cambiará la mayor parte de las cosas.

Descubrí que era más difícil saber qué escribir en su bosquejo cuanto más me adentraba en la historia, así que no pasé mucho de la mitad del bosquejo antes de ponerme a escribir. Luego volví al bosquejo, lo cambié basado en lo que escribí, e intenté seguir bosquejando todo lo que pude antes de atascarme y volver a escribir el guión.

Aquí tienes un ejemplo de algunos ritmos de un antiguo esquema de Snowlands:

• Imagen inicial: en la guarida de los lobos. Estableciendo que todas las ovejas se han ido, y la comida es cada vez más escasa. Los cachorros se han ido. Abrir con la escena de la historia del tigre.
• La madre se sacrifica. Feba es la única que no está con los otros cachorros, debido a su pelo blanco.
• Feba se escapa.
• Primera aparición de un villano: Martens recibe órdenes de Umanga. ¡Encuentren al cachorro blanco!
• Los héroes se encuentran: Feba conoce a Usha. Quiere ir con ella, la convence y la sigue.

Como puede ver, estos no son muy detallados. Son sólo instrucciones generales de la escena que describen el flujo de eventos. No hay diálogo o dirección de actuación.

Ir y venir entre la escritura y el bosquejo es lo que me funcionó, pero muchos escritores lo hacen muy bien con el bosquejo de todo el guión en detalle, o no bosquejar en absoluto y simplemente escribir la película.

Lo importante es descubrir lo que funciona para ti y hacer eso, en lugar de hacerte trabajar de una manera que no es natural para ti.

Tomar notas

Es crucial mantener un documento que permita escribir notas e ideas, preferiblemente de forma que se pueda organizar fácilmente.

Utilizo Scrivener para todo lo que escribo, excepto el guión propiamente dicho, para el que uso Final Draft. Scrivener te permite trabajar en varios documentos de texto y verlos en la barra lateral simultáneamente.

De esa manera puedo tener acceso visual a todos mis diferentes documentos como los nombres de los personajes, los ritmos, los diferentes esquemas con los que juego, las ideas de los temas, las ideas de los títulos y cualquier otra cosa que se me ocurra y que quiera poner por escrito. Me refiero a estos documentos a menudo, y siempre los tengo abiertos mientras escribo.

También tengo una aplicación de listas en mi teléfono (utilizo Microsoft Todo) porque a menudo se me ocurren ideas al azar (a menudo después de la ducha o durante un paseo con el perro), así que me aseguro de anotarlas en mi lista de Snowlands lo antes posible, de lo contrario las olvido rápidamente. Muchas de estas ideas no terminan en la película, pero algunas de ellas fueron las más creativas.

Sabiendo su final

¿Debería saber cómo termina su película al escribir? No creo que lo sepas.

Creo que es bueno tener una idea general de hacia dónde te diriges, para no perderte en el bosque, pero no necesitas saber los detalles del final. Puede que conozcas partes de él, o cómo quieres que se sienta el final (feliz/triste/ambiguo), sin saber exactamente qué es o cómo llegar allí.

Stephan King escribió en sus excelentes memorias sobre la escritura Sobre la escritura que el trabajo de un escritor es decir la verdad. Yo intento seguir ese mantra. Si te comprometes a contar la verdad, puede que sea difícil saber exactamente lo que ocurre al final antes de llegar a él, porque es posible que no sepas lo que ocurre en el camino hasta que no pases por el viaje de tus personajes.

No sabía cuál de mis personajes moriría. No sabía cómo iban a ganar el día. Lo importante para mí era asegurarme de que tuvieran un deseo fuerte y de que lo que estaba en juego fuera alto. Todo lo demás se resolvería por sí solo.

Hábito de escritura

Una de las cosas más importantes que hay que hacer cuando se escribe un guión es escribir de forma consistente. Escribir un guión es una tarea tan complicada, que tomarse largas pausas para ello hará más difícil seguir el flujo y el desarrollo de la historia.

Iré aún más lejos y diré que sería increíblemente más difícil terminar tu guión si no lo haces parte de tu agenda de trabajo diaria. Entiendo que escribir a tiempo completo no funciona para todos, incluido yo mismo, pero trata de reconocer tus horas más creativas del día y consigue al menos 2 horas de escritura ininterrumpida. Preferiblemente hasta 4-5.

Para mí siempre era la primera mitad del día. Descubrí que mi creatividad disminuyó después del almuerzo, así que traté de escribir lo más posible antes de eso, y luego trabajar en tareas menos absorbentes.

No te agobies por la cantidad de trabajo que queda por hacer. Toma tu guión una escena a la vez, mira sólo la sección en la que estás trabajando actualmente, y sólo mira el panorama general una vez cada pocos días, para ver si vas en la dirección correcta. No pienses en ello constantemente, ya que te volverá loco. Decide cuáles deben ser los próximos 10-20 minutos de tu película, y trabaja en ellos.

Lo importante es que estás lenta pero consistentemente, bordeando la línea de meta.

Cuando termines

Cuando llegas al final del guión, es sólo el comienzo. Luego viene la parte difícil: la reescritura.

Llegar al final del guión por primera vez es increíble. Se siente bien, y es realmente difícil de hacer. Pero sí, sé que no es lo que quieres oír, pero desafortunadamente la reescritura es mucho más difícil y lleva más tiempo. Es donde puedes convertir tu guión de ok/bien a grande/amazing.

No puedo insistir demasiado en esto, y es la única afirmación de este post que puedo hacer con absoluta certeza:

Sólo reescribiendo una y otra vez un guión puede llegar a ser grande. No hay atajos. No hay manera de evitarlo.

El proceso de reescritura lo veremos más adelante en este artículo. Por ahora, vamos a hacer una pausa y a discutir algunos conceptos e ideas que podrían ayudarte a mejorar tu guión.

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Pensamientos sobre lo que hace un buen guión

Ahora que hemos cubierto el flujo general de la escritura de un guión, repasemos lo que he aprendido sobre la escritura, y cómo puedes utilizarlo para mejorar tu guión.

Motivos y apuestas

Motivos y apuestas son dos conceptos que siempre trato de tener en cuenta cuando trabajo en la trama.

Muchas veces cuando los escritores se encuentran con problemas en su historia, o no saben lo que pasa después, es porque los motivos no son lo suficientemente claros, o las apuestas no son lo suficientemente altas.

En otras palabras: no está súper claro lo que los personajes quieren, y no es para tanto si no lo consiguen, o simplemente se detienen y dan la vuelta.

Cuando escribimos una película convencional, tenemos que asegurarnos de que nuestros protagonistas (tanto el protagonista como el villano) tienen un claro deseo. Hay algo que están tratando de hacer. Más que eso, tenemos que asegurarnos de que si no lo consiguen, sus vidas se arruinarán. De lo contrario, ¿qué impide que se vuelva atrás cuando las cosas se pongan difíciles?

¿Has visto alguna vez una película y has pensado "Por qué no hace X" o "Por qué le importa que pase Y"? Eso sucede cuando los motivos no están claros y las apuestas no son altas.

Tenemos que seguir presionando a nuestros personajes para que el regreso sea cada vez más difícil, y aumentar las apuestas a medida que avanzamos en la trama. Si el personaje está en una situación más peligrosa en la primera mitad del guión que en la segunda, ¿dónde está la tensión creciente? ¿Cómo mantienes al público interesado?

Un ejemplo de Snowlands

Luché con estos temas durante mucho tiempo durante la redacción de Snowlands. No siempre fue claro lo que Feba, la loba, quiere. En un borrador anterior, la razón por la que huyó es por un ataque a su tribu, y por ver cómo mataban a su madre. Luego se encontró siguiendo a Usha, el leopardo de las nieves, y no estaba claro qué es lo que quiere ahora.

¿Por qué no volvió a su tribu? ¿Cuál es su objetivo ahora que escapó del ataque? No estaba funcionando.

Así que resolví ese problema haciéndola una marginada en su manada. Tenía el pelo blanco, que los lobos creían que era de mala suerte. Cuando las cosas se pusieron mal, la manada culpó a la mala suerte de Feba. Se enteró de que planean matarla para deshacerse de la "maldición", así que huyó.

Eso solucionó mi problema de varias maneras: Primero, sabemos por qué no regresó a casa después de huir. No podía volver a la tribu que la quería muerta. En segundo lugar, encontré un fuerte deseo por su carácter, la necesidad de pertenecer. Encontrar un lugar al que llamar hogar. Nunca tuvo eso, siempre se sintió como una marginada, y así encontró ese hogar con Usha, dándonos un fuerte motivo para unirnos a ella.

Tema

Volviendo al libro de Stephan King, tiene una excelente observación sobre la cuestión del tema. Afirma que no es necesario conocer el tema de antemano, pero una vez que lo descubras, ignóralo por tu cuenta y riesgo.

Neal Gaiman dijo algo parecido, al afirmar que el objetivo del segundo borrador es hacer que parezca que sabías lo que estabas haciendo todo el tiempo.

Para sintetizar ambas ideas:

Como escritores, descubrimos cosas importantes sobre nuestra historia a medida que la escribimos, y luego, cuando lo hacemos, debemos volver atrás y empujarlas más, eliminando el exceso de grasa.

Una vez que descubrí que mi película trata de padres que tienen que dejar ir a sus hijos, podría volver atrás e intentar llevar esa idea más allá incluyendo otros casos y ejemplos de crianza. Mostrando lo que sucede cuando no dejas ir a tus hijos, o lo que sucede si los dejas ir con demasiada facilidad, o lo que sucede cuando los dejas ir por el camino equivocado, etc. Encontré un tema y volví a empujarlo más fuerte, y con eso desarrollé y enfoqué mi tema.

Originalidad

No intentaré enseñar originalidad, ya que es un concepto bastante vago, pero puedo discutir algunas formas de hacer que las piezas del set de su historia sean un poco más originales e interesantes.

Muchas veces en nuestros escritos nos encontramos con un tropo. Un tropo es una situación conocida que hemos visto antes en películas de un género similar. No son necesariamente clichés, ya que no son tontos o sobreutilizados, pero son algo que el público espera ver.

Algunos ejemplos:

• El grupo de héroes planea su ataque final a los malos, y vemos un rápido montaje de todos los pasos que están a punto de dar.
• Una rápida misión al principio de las películas de espías, presentando al héroe y creando algunas piezas de acción geniales.
• El héroe irrumpe en un largo discurso al final de una comedia romántica, explicando cómo ahora ven las cosas de manera diferente debido a su interés amoroso.

Estos tropos pueden convertirse fácilmente en clichés si se hacen mal, pero incluso si se hacen "correctamente", puede que no pasen de estar "bien" o "pasables".

La cosa es que, siempre que llegamos a escribir una escena como esa, automáticamente vamos a escribir lo que excepto para ver, o lo que pensamos que el público espera ver. Lo primero que nos viene a la cabeza.

Trucos de originalidad

Un truco para crear escenas más originales, es asumir que la primera idea que tenías de cómo debía ir esta escena debe ser descartada. Trata de proponer de 3 a 5 ideas más, profundiza, y te sorprenderá encontrar algunos giros interesantes en tropos conocidos.

Otro truco que me gusta usar es preguntarme "¿he visto algo así?" / "¿he oído una línea así?" Y si la respuesta es "sí", la cambio. Lo suficiente para que tenga su propio sabor único.

Digamos que necesitas que el héroe le diga al villano"¡No te saldrás con la tuya!". Pero... ¿Alguna vez has escuchado esa línea en una película? Unas mil veces. Entonces, ¿qué tal"Recuerda este momento. Quiero que pienses en este momento exacto cuando tenga mi pistola contra tu cabeza y apriete el gatillo". Bien, no es una gran línea, pero mira que suena mucho más única, y tiene el mismo efecto que buscabas.

Ejemplos de Snowlands

He aquí algunos ejemplos de cómo he intentado añadir un poco de singularidad y originalidad a Snowlands.

Ejemplo 1: Había una escena en la que el consejo de lobos tenía que votar sobre un asunto. La primera idea que se me ocurrió fue la forma de hacerlo: El líder de los lobos pide al consejo que emita su voto, y entonces todos dicen "sí" o asienten con la cabeza, o algo así.

Esta es una escena familiar que hemos visto en diferentes películas - un personaje tratando de cambiar la mente de algún consejo o congreso, y ellos rechazan su idea.

Para hacer mía esta escena, añadí unas cuantas cosas para hacerla única:

Primero, en el diálogo, decidí darle a esta ceremonia su propio lenguaje específico. El líder primero preguntará: "¿Es esto lo que el Consejo desea?" Y después de que el voto sea emitido, dirá: "Se ha hecho un deseo y el Consejo lo cumplirá". Esta cita volverá en una parte posterior de la película, y se sentirá lo suficientemente única para hacer creíble que esta tribu tiene su propio conjunto de protocolos.

No fue sólo "¡Echa tu voto!" y "Bien". Lo haré". Siguió un procedimiento muy específico, que demostró aún más que el líder es reacio a ejecutar la acción, pero no tiene opción debido a las reglas de la tribu.

Entonces para el voto en sí, en lugar de que los lobos simplemente respondieran, aullarían, uno tras otro, como método para emitir su voto. No es extremadamente original, lo sé, pero es lo suficientemente diferente y específico de la historia para hacerla sentir única.

Ejemplo 2: Hay una escena en la que Feba, nuestra lobezna protagonista, está en cautiverio con algunos otros personajes.

Cuando ella le conteste a sus cautivos, quería que fuera "castigada" de alguna manera por los captores. Mi primera idea era que uno de los captores la lastimara, no mucho, pero sí lo suficiente como para que se entendiera.

Todos hemos visto esa escena antes. Los malos capturan a nuestro héroe, él les responde, le pegan un puñetazo en la cara, sonríe, escupe sangre y mantiene su actitud.

Quería evitarlo, así que, en su lugar, hice que nuestra sonriente captora malvada, que siempre habla con suavidad y amabilidad, cantara este pequeño limerick:"Cuando nos pasamos de la raya, son nuestros amigos los que pagan la multa". Durante la primera parte de esta frase, nuestra heroína sigue teniendo su cara de "haz lo peor". Pero cuando llega la sorprendente segunda parte, que le revela que, de hecho, saldrá ilesa a pesar de su comportamiento y, en cambio, conseguirá que alguien inocente salga herido, su cara muestra miedo por primera vez.

Esa fue una forma mucho más efectiva de crear miedo en la audiencia, además de aumentar nuestro odio hacia los captores. Un protagonista que recibe un puñetazo por contestar no hace mucho para evocar la emoción. Pero hacer que alguien que te importa salga herido accidentalmente, sí lo hace.

Diálogo

Escribir un diálogo es todo un mundo por sí solo, y no soy un experto en ello. De hecho, creo que mi escritura de diálogos es bastante básica. Sin embargo, traté de seguir algunas pautas que me fijé para darle a mi guión una voz única.

Nunca lo había oído antes

La primera regla que me puse, es una que mencioné antes cuando escribí sobre la originalidad. La regla establece que si siento que he escuchado cierta línea en el pasado, la reescribo. Siempre me pregunto - ¿cuál es la manera única en que puedo expresar lo que quiero que diga ese personaje? ¿Cómo puedo expresarlo de manera que el lector sienta que se ha topado con algo nuevo?

Voces únicas

La segunda regla que intento seguir es asegurarme de que cada personaje suene diferente. Hazlo de tal manera que si quito los nombres del guión, todavía seas capaz de decir quién dice qué.

Es común que todos los personajes suenen como el escritor, porque, bueno, todos están escritos por el mismo escritor. Así que intenté encontrar pequeñas formas de hacer que los personajes principales tengan su propia forma de hablar.

Usha, el leopardo de las nieves, sería fría, directa y corta. No usará ni una palabra más de las necesarias. No tendrá sentido del humor, no tratará de complacer o ser linda. Ella es quien es. Feba, el cachorro de lobo, por otro lado, es un niño. Es ingenua, sarcástica, cálida y divertida.

En cuanto a los villanos, tengo uno que es del tipo "fuerte y silencioso", y uno que es del tipo psicópata de voz suave.

Conocer estos rasgos me permitió tener limitaciones en el vocabulario y el fraseo de mis personajes. Sabía lo que podía y lo que no podía hacer. Eso por sí solo es una gran ayuda. Simplemente sabiendo que un personaje no se supone que sea gracioso, me facilita saber cómo dirían algo.

Cuando el guión esté terminado, es una buena idea volver y repasar todas las líneas de cada personaje individualmente (algunos programas de escritura tienen formas muy sencillas de hacerlo) y comprobar que todas coinciden, y que ninguna se siente fuera de lugar. Puede que te lleve al final del guión encontrar la voz de un personaje, así que vuelve cuando hayas terminado y asegúrate de que las líneas anteriores siguen encajando.

Las reglas del discurso

Otra decisión que tomé al principio, es que el lenguaje que los animales usan en esta película no incluiría ninguna referencia hecha por el hombre, sino sólo palabras de inclinación natural.

Lo que quiero decir con eso, es que el personaje debe hablar usando palabras y frases que existen como si nunca hubieran oído hablar a los humanos. Eso significa que no podría usar frases como "no puedes tener tu pastel y comértelo también" o "no puedes juzgar un libro por su portada". Mis personajes no saben lo que son los pasteles o los libros, así que no pueden decirlo.

Pero se hace más difícil. Tampoco pueden decir semanas, meses o años, porque son ideas hechas por el hombre. Evité los números superiores a 10, ya que estos animales probablemente no podrían comprender tal cantidad.

La parte más difícil fue no poder usar "OK"/"OK", ya que su significado provenía de diferentes orígenes culturales humanos. Podría decir "bien" o "genial", pero no "Ok".

Esa limitación me ayudó a seguir formando mi diálogo y a construir el mundo. Crear tales limitaciones que tienen sentido para tu historia es una gran manera de tener un guión con un sonido más único.

El villano

No pierdas la oportunidad de crear un gran villano. Lo que hace a un gran villano, en mi opinión, es uno que tiene un razonamiento muy comprensible para sus acciones. Tanto es así, que a sus ojos son los héroes. Sus motivos son muy claros, e incluso podemos entender por qué hacen lo que hacen, aunque no estemos de acuerdo con sus métodos.

En mis primeros borradores, mi villano era más bien un monstruo. No hablaba, se comía las cabezas de los cachorros de lobo directamente de sus cuerpos. Era sólo un loco tratando de "apoderarse del mundo". Eso tenía que cambiar.

Volví a trabajar al villano, después de descubrir mi tema (los padres no dejan ir a sus hijos) en una madre afligida que está tratando de recuperar a su hijo. Ella lo hace de manera equivocada, retorcida por la tristeza y el odio, pero viene de un lugar que podemos entender. Eso la convirtió en un personaje mucho más convincente, y mejoró mucho la historia.

El compañero

Las películas de animación tienen una larga historia con el simpático y divertido compañero. Abu, Timón y Pumba, Olaf, Mushu, y muchos otros. A menudo se utilizan como alivio cómico, con el objetivo de hacer reír a los niños (o vender algunos juguetes), pero podrían ser más que eso.

Snowlands también cuenta con un simpático y divertido personaje secundario, Batu, el gato Pallas, pero sinceramente nunca pensé en él de esa manera. Para mí, era un personaje real con un pasado, un deseo y un significado para la historia.

Batu ayuda a impulsar el tema de la paternidad uniéndose a Feba, el cachorro de lobo, convirtiéndola en su guardián y padre, en cierto modo. Revela su carácter bondadoso. También aprendemos sobre lo que pasó, y por qué eligió seguir a Feba, y su habilidad única ayuda a salvar el día en una parte posterior de la película.

Sí, es gracioso y lindo. Y juega un papel más pequeño como "compañero" del personaje principal, pero no fue un pensamiento posterior lanzado allí para llenar un tropo predecible, sino una parte necesaria del rompecabezas de la historia, uno que no habría incluido si no tuviera una buena razón para hacerlo. ¿Puedes decir eso de Pascal de Rapunzel?

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Reescritura

Ahora que estamos listos para llevar nuestro guión al siguiente nivel, hablemos finalmente de reescribir.

Después de terminar el guión, podríamos tener algunas ideas sobre lo que no funciona en la historia, así que volvemos a arreglar lo que vemos. ¿Pero qué pasa con lo que no vemos? No hay mucho que puedas encontrar por ti mismo como escritor, así que vas a necesitar ayuda. Ahí es donde viene la retroalimentación externa.

Obteniendo retroalimentación

Todos sabemos que la retroalimentación es importante. Si le muestras el guión a un amigo o dos, te dicen "¡ay, eso es genial!", y sigues adelante.

No es el tipo de retroalimentación a la que me refiero.

Creo que el mejor curso de acción, el que me pareció más efectivo, es recibir mucha retroalimentación pagada en forma de cobertura.

¿Qué es la cobertura?

Cobertura es un término de la industria que se refiere a una breve reseña de un guión, generalmente realizada por asistentes, pasantes o lectores remunerados. Esa revisión se pasa luego a los superiores (si es positiva). Es la forma en que los estudios y agentes revisan los miles de guiones que reciben.

Normalmente usan un sistema que califica tu guión de una de las 3 maneras:

• Aprobado (el guión no es bueno. Alrededor del 95% de los guiones obtienen esta calificación)
• Considerar (el guión necesita trabajo, pero puedo ver el potencial de una gran película. Alrededor del 4% de los guiones obtienen esta calificación)
• Recomendado (Este guión está listo para la producción. Alrededor del 1% de los guiones obtienen esta calificación)

Los servicios de cobertura pagada hacen lo mismo, pero en un ambiente simulado y sin el riesgo de quemarse frente a una agencia o estudio. Escriben una revisión completa de tu guión, en el mismo formato que usaría una agencia, a menudo por gente que hace esto para ganarse la vida. Escriben sobre las debilidades y fortalezas de tu guión, lo califican en múltiples aspectos, y te dan una calificación de Aprobado, Considerado o Recomendado.

¡¿Pagar por la retroalimentación?!

Esta podría ser una recomendación controvertida, ya que estos servicios difieren enormemente en cuanto a su calidad, y algunos de ellos son caros. Además, no siempre se sabe mucho sobre las calificaciones del lector.

Entonces, ¿por qué sigo recomendándolo? Porque si te sometes a un montón de lugares diferentes, usando varios lectores a la vez, empezarás a encontrar problemas repetidos con tu historia, y sabrás bastante rápido lo que hay que arreglar.

Te adelanto que esto no va a ser barato. Estos servicios (he enumerado algunos de mis favoritos en la sección de recursos) cobran entre 67 y 200 dólares por una cobertura. Pero puedo decir sin lugar a dudas que la única manera en que conseguí que mi guión alcanzara el nivel de refinamiento que tiene ahora, es sometiéndolo a 3-4 lectores en cada fase de reescritura, luego consolidando todos los comentarios, arreglando los problemas, y repitiendo.

Empecé recibiendo un montón de pases, leyendo críticas que destrozaban mi guión. Encontré las que estaban de acuerdo, y poco a poco las arreglé.

Cuando finalmente llegué a un punto en el que sólo recibía Considers y Recommends, y las críticas no tenían muchas cosas negativas que decir, supe que había terminado.

La razón por la que esto es tan efectivo, y mejor que pedirle a tus amigos que lo lean, es que son lectores profesionales e imparciales, que no se preocupan por ti o por tu guión. Es de ellos de quienes quieres obtener retroalimentación. No de tus amigos que nunca han leído un guión en sus vidas, y que no quieren herir tus sentimientos.

Si tienes amigos en la industria, escritores profesionales, entonces podrían ser un gran recurso también. Algunos de mis amigos escritores me han dado su opinión. Pero de nuevo, no puedes esperar la misma cantidad de profundidad de una reseña que tu amigo te da (aunque algunos podrían), y siempre está el tema de herir tus sentimientos, o la competencia oculta.

¿Cuáles fueron los principales problemas de las Tierras de Nieve?

Pasé por 3 grandes rondas de reescrituras (con un montón de pequeñas entre ellas). Guardé todas las diferentes coberturas que recibí a lo largo del tiempo, y estos fueron los principales problemas con los que el guión tuvo que lidiar:

Demasiados personajes

Había demasiados personajes, algunos de ellos desempeñando las mismas funciones de la historia que otros. Muchos personajes fueron eliminados o consolidados.

En realidad, esto sigue siendo un problema hoy en día, pero decidí que estoy de acuerdo en tener un número de personajes superior a la media en mi historia.

Caracterización y motivos

Lo mencioné antes, pero en los borradores anteriores no estaba claro por qué los protagonistas hacían lo que hacían. ¿Por qué Feba está siguiendo a Usha, por qué Usha quiere ayudar a Feba, o por qué se aceptan mutuamente tan rápidamente.

No había una caracterización específica de los personajes principales, y tampoco había defectos. Eso se resolvió añadiendo una traumática historia de fondo a Usha, y haciendo de Feba una marginada. También aumenté la tensión entre ellos, haciéndolos más diferentes, incluso disgustándolos al principio, y construyendo lentamente su relación.

¿Quién es el protagonista?

Siempre vi esta historia como la historia de Usha. El leopardo de las nieves. Pero desde que empecé con Feba, el cachorro de lobo, los lectores siempre asumieron que ella es la protagonista. Eso creó confusión cuando la trama de repente se apoyó más en Usha.

Esto fue difícil de arreglar, pero terminé aceptando a Feba como mi protagonista, mientras que la mantuve como una película de 2 protagonistas (como Toy Story, o Buscando a Nemo). Empujé la historia de Feba más allá, e hice la trama más equilibrada entre los dos.

¡¿Para quién es esto?! (demasiado violento)

Una nota repetida que recibí era sobre la oscuridad y la naturaleza violenta del guión. Nunca imaginé esto como una película para niños, pero como es animada la gente automáticamente asume que es una película PG en el espíritu de El Rey León.

Al principio me defendí. Pero como esto volvió una y otra vez, con verdaderos profesionales diciéndome que ningún estudio producirá algo así, pensé que debía tratar de ver si había algo que pudiera hacer.

Bajé el tono de las escenas gráficas y lo llevé a un lugar que está entre PG y PG13. Personalmente creo que esta película lo hará mejor con una clasificación PG13 (similar a las películas de Star Wars o los Vengadores), pero dejé espacio para poder convertirla fácilmente en una película PG es necesario. Estoy tratando de hacer esta película, no de hacer una declaración artística. Así que si un estudio dice que le darán luz verde sólo si la hago PG, entonces podré hacerlo con bastante facilidad.

El título

El título original de esta película era Nosotros, los leopardos. Eso fue cuando la historia presentaba principalmente leopardos en ella, y los dos personajes principales eran leopardos. Aun así, he oído a varias personas decir que es un mal título. Uno dijo que creía que era "U.S Leopards" (es decir, leopardo en los Estados Unidos). A otros simplemente no les gustó.

Me gustó mucho. Todavía me gusta. Pero si todos los demás tienen un problema con algo como un título, es mejor que consideres cambiarlo. Ya lo hice.

Y honestamente, Snowlands es mucho mejor.

Escritura y formato

Mis primeros borradores tenían tantos problemas de formato que era embarazoso. Después de recibir tantos comentarios sobre la escritura en sí, aprendí lo que está bien o no está bien hacer cuando se escribe un guión.

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Terminando el guión

Después de un año y medio de escribir y reescribir, finalmente tuve que decidir que era hora de parar. Siempre hay más que puedes hacer por tu guión, y siempre hay asuntos que arreglar, pero saber cuándo parar es tan importante como saber cuándo empujar más fuerte.

Cuando terminé de escribir, envié el borrador terminado para ser revisado (dos veces), y me aseguré de que estuviera 100% libre de errores de imprenta antes de presentarlo a los concursos y agencias.

Este fue un viaje desalentador y aterrador. Tuve que escribir la historia, prácticamente desde cero, tres veces. Pasé meses reescribiendo casi a tiempo completo.

Pero ahora que el guión está terminado y en un buen lugar, sé que es algo que puedo hacer de nuevo.

Espero que este recuerdo de mi experiencia haya sido útil, y que si estás escribiendo un guión por primera vez, esto haya hecho que terminar tu guión se sienta un poco más posible.