Libertei recentemente os meus 3^rd curta-metragem de animação Saborosoe decidi dedicar algum tempo a escrever sobre todos os passos por trás da realização do filme, do princípio ao fim, explicando-os da forma mais simples possível, para que mesmo que não seja da indústria da animação ou dos efeitos visuais tenha uma ideia do que é preciso para fazer um filme de animação.

Oh, e há uma surpresa muito fixe no final, para ter a certeza que lê até ao fim.

História

A primeira e provavelmente a parte mais importante de fazer qualquer filme é uma boa história. Se você não entender bem a sua história, então não importa o quanto o seu filme esteja ótimo, as pessoas não vão gostar de vê-lo.

A história vem primeiro. Assegura-te que funciona antes de seguir em frente. Vai mudar muito à medida que avançarmos com a produção, mas queremos ter a certeza de que o nosso ponto de partida é o melhor possível.

Roteiro

Depois de termos tido uma ideia para um filme, escrevemo-la num guião. É importante transcrever sua idéia em palavras o mais rápido possível, para que possamos identificar quaisquer problemas com a história antes de entrar em produção.

Há alguns programas que pode utilizar para escrever o seu guião, como o Final Draft ou o Celtx, mas eu uso pessoalmente o Scrivener, que é provavelmente o melhor programa de escrita para todos os fins por aí.

Arte Conceptual

Assim que tenho meu roteiro, tento criar o maior número possível de peças de arte conceitual, para começar a estabelecer o estilo visual do filme.

(Quando digo eu, refiro-me à minha equipa de arte conceptual, feita a partir de artistas fantásticos. Foram eles que criaram toda a arte conceptual para o filme).

A arte conceptual é um passo muito divertido. É a primeira oportunidade de ver partes do seu filme ganharem vida no papel. É tudo sobre explorar e experimentar as coisas.

Storyboard

A seguir é o storyboarding. É provavelmente um dos passos mais importantes para a realização do nosso filme. Storyboarding permite-nos olhar para o nosso filme como um todo e ver a história como um todo e as questões de ritmo.

Fazer um também nos fornece algo que podemos mostrar a outras pessoas para feedback. A maioria das pessoas reage melhor a um storyboard do que a um roteiro. Neste ponto eu costumo ajustar a minha história e fazer mudanças até ficar satisfeito com as pranchas e pronto para seguir em frente para fazer um animatic.

Animatic

Um animatic é uma versão cinematográfica do storyboard. Um storyboard é como uma banda desenhada, e um animatic é como um filme.

Trazemos todos os quadros para um programa de edição e editamo-los com o timing correcto, música temporária e efeitos sonoros. Estamos a tentar chegar a um ponto em que transmita as diferentes batidas da história.

Quando terminarmos, temos a primeira versão do filme pronta para assistir. Por melhor que seja um storyboard, um animatic realmente mostra um primeiro vislumbre de como vai ser o nosso filme.

Mostro-o novamente às pessoas, faço mais alguns comentários, afino as pranchas, o tempo e o ritmo até ficar muito feliz com a forma como o filme funciona.

Modelagem

A produção 3D começa com a modelagem. Criando todos os recursos digitais para o filme: Os ambientes, cenários, adereços e, claro, os personagens. Usamos a arte conceitual e as folhas de modelo que criamos anteriormente, e modelamos com base nelas.

Os modelos quando criados pela primeira vez não podem realmente fazer nada, podemos colocá-los em nossas cenas, mas eles não podem se mover até que nós os equipemos.

Rigging

Quando falamos em manipular um modelo, queremos dizer criar algum tipo de esqueleto digital com controles diferentes para movê-lo. Antes de manipularmos, os nossos modelos eram como estátuas. Agora eles são mais como figuras de ação, só que com movimentos muito mais matizados.

O rigger garante que temos controles suficientes para cada parte do corpo e rosto, para que possamos criar todas as ações e expressões que precisamos.

Em seguida, trazemos os nossos modelos manipulados para o programa 3D e começamos a criar as nossas fotos. Colocamos todos os recursos onde eles precisam estar e criamos uma câmera 3D para capturar o tiro. Posicionamos as câmeras e personagens no lugar tal como teríamos se estivéssemos filmando um filme de ação ao vivo. Depois damos vida às filmagens com animação.

Previsualização

Mas antes de começar a animação final, há outro passo importante para garantir que a história funcione: Criar um previz, ou uma previsão.

Um previz é a próxima encarnação do animatic. Desta vez, usando os nossos recursos 3D. Configuramos todas as fotos no programa 3D, com todos os ângulos finais de câmera e movimento, e criamos animações muito básicas para os personagens. Apenas o suficiente para transmitir a ação na cena.

Depois trazemos todas as fotos para o programa de edição, tal como fizemos com o animatic. Temos agora uma versão previz do nosso filme, com os modelos 3D e o movimento da câmara correctos.

Este é realmente o último passo no qual ainda podemos fazer mudanças na história. A animação leva muito tempo e será um enorme desperdício se tivermos de fazer mudanças na história depois disso.

Mais uma vez, mostramos para mais pessoas, recebemos feedback da equipe e nos certificamos de que estamos completamente satisfeitos com o funcionamento do filme. Depois, começamos a animar.

Animação

A animação é a minha parte favorita do processo de realização do filme. É onde finalmente trazemos vida aos personagens. Eles começam a se mover e nós começamos a ver a alma do nosso filme bem na nossa frente.

É uma sensação incrível quando está feito, mas também leva muito tempo. Feito incorretamente, vai arruinar o filme. Uma má animação é como uma má representação. Mesmo que a escrita e a história sejam sólidas, as pessoas não vão gostar se a entrega estiver errada.

A forma como animamos as personagens é movendo os controlos criados durante a fase de montagem. Manipulamos estes controlos para colocar as nossas personagens na pose certa, criamos um quadro-chave (que captura a pose no computador), e depois movemos os controlos para a pose seguinte, e repetimos. Há muito mais tecnicismo, mas esta é a essência da questão.

Texturização / Iluminação

Antes de exportar nossas fotos, precisamos texturizar e nossos modelos e iluminar nossas cenas. Isso significa criar diferentes materiais para atribuir às diferentes partes das maquetes. Alguns simulam metal, outros plástico e até mesmo um para a pele.

Nós lhes damos a cor certa e iluminamos as fotos com luzes virtuais 3D, tentando replicar como a luz funciona na vida real. Uma luz importante para toda a cena, atuando como o sol, e algumas luzes em torno de nossos pontos de interesse, como em um set de filmagem.

Renderização

Quando as nossas fotos são texturizadas e iluminadas, iniciamos o processo de renderização. A renderização é o processo de cálculo dos dados em nossas cenas e a criação de imagens estáticas a partir delas.

Levamos então estas imagens a um programa de composição, como Nuke ou After Effects, extraímos os dados e imagens necessários, e combinamo-las para criar as imagens finais.

Este processo de renderização e composição é muito técnico e muito complicado para realmente entrar neste artigo, mas se você estiver interessado nisso, tente pesquisar estes 2 termos para encontrar alguns tutoriais detalhados sobre como o processo funciona.

Edição

Assim que tivermos as nossas imagens renderizadas, trazemo-las de volta para o nosso programa de edição e substituímos as fotos do previz pelas nossas novas fotos acabadas. Assim como nós substituímos o animatic pelo previz.

Agora podemos ver nosso filme acabado na linha do tempo de edição pela primeira vez. Mas, ainda não está realmente terminado. Temos de fazer alguma correcção de cor e classificação.

Correcção / Classificação de cor

A correcção de cor é o processo de manipulação das cores de cada disparo individual para que corresponda ao que vem antes e depois dele. Também nos certificamos de que cada foto não tenha partes muito brancas ou muito pretas, superexpostas ou subexpostas. Estamos basicamente trabalhando para que tenhamos uma cor consistente e correta em todo o filme.

Depois classificamos o nosso filme, que é a parte mais divertida e criativa. Quando classificamos nosso filme, tentamos criar um estilo visual para o filme inteiro, para que ele tenha um visual distinto.

Em Tasteful tentei empurrar os rosas e roxos, criando uma espécie de visual desbotado com uma paleta de cores pastel que realmente gostei.

Música / Sound Design

Antes de terminarmos, há duas coisas importantes que temos de tratar. Em quais provavelmente temos estado a trabalhar durante toda a produção: Design de som e música.

Tenho trabalhado com o meu músico desde o primeiro dia de produção, garantindo que a música se encaixa no que estávamos tentando fazer com o filme, assim como garantir que o filme funcione com a música.

A música normalmente não é algo que se possa simplesmente esbofetear quando se acaba de editar. Acho que deve ser trabalhada durante toda a produção para se tornar uma parte integrante da história.

Depois, o sonoplasta finaliza todos os efeitos sonoros do filme: Loucura, ambiente e vozes, assim como masterização e mistura no áudio final do filme.

E acabámos! E agora?

Esta foi uma visão muito curta do que é preciso para fazer um curta-metragem de animação.

Se quiser saber mais, tenho uma surpresa fixe para si.

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